Video-reseña: Ju-on 2: La Maldición Final

Cine Barato: Ju-on 2: La Maldición Final

Tal vez ya no resulte tan novedoso como lo fue hace algunos años, pero el género del “J-Horror” se ha mantenido presente continuamente en su país de origen, Japón. Las puertas del subgénero se abrieron a un publico internacional con cintas como El Aro y La Maldición, específicamente gracias a sus versiones gringas, pero afortunadamente de vez en cuando tenemos la oportunidad de ver los orígenes del genero sin necesidad del filtro hollywoodense, como en el caso de Ju-on 2: La Maldición Final que llega a algunas salas de cine en nuestro país… cuatro años después de su estreno en Japón por alguna razón…

En Ju-on 2: La Maldición Final veremos varias personas que se ven atacadas por una maligna fuerza sobrenatural. Mai Shono (Airi Taira) empieza a tener extraños y espeluznantes sueños sobre su hermana Yui, quien desapareció sin dejar rastro hace un par de semanas. Mai comienza a investigar la desaparición de Yui, sin saber que esto la pondrá al alcance de una poderosa maldición que pondrá su vida y la de todos a su alrededor en peligro.

Antes de empezar quiero darles algunas explicaciones para que no se confundan como lo hice yo. A pesar del “2” en el título, esta cinta es la octava entrega de la serie, pero la continuación directa de Ju-on: El Principio del Fin, que es la séptima película pero que es un reboot de toda la franquicia en general. Como si esto no fuera suficientemente complicado, ya hay otras dos cintas de la franquicia, una directo a video y otra en cine que se llaman Ju-on 2 y Ju-on 2: La Maldición respectivamente, eso sin contar las versiones estadounidenses que también tiene una cinta llamada La Maldición 2, por lo que técnicamente Ju-on 2: La Maldición Final es la cuarta película llamada Ju-on 2 pero la octava en la serie ¿Esto es algo relevante para hablar de la película? En realidad no, pero tenia que compartir mi frustración al tratar de entender como carajos encajaba esta película en relación al resto de la franquicia.

Sí ya han visto alguna otra película dentro de esta serie, para bien o para mal, ya vieron La Maldición Final, ya que a pesar de contar con nuevos personajes y situaciones ligeramente distintas, la película implementa la misma estructura que cintas anteriores, saltando de personaje a personaje de manera no lineal, haciendo que todas las historias individuales se conecten de alguna u otra forma. Lo anterior hace que la trama se sienta demasiado repetitiva, pero esa es más o menos la intención, ya que la misma historia de la película (y de la franquicia en general) se centra en la inevitable repetición de eventos que atrapa a gente inocente, haciendo que el ciclo de horror y desesperación se repita una y otra y otra vez.

Esta repetición puede ser relevante para la narrativa, pero desafortunadamente provoca que los “sustos” se vuelvan cada vez menos efectivos. Es cierto que al principio las apariciones de “espíritus chocarreros” logran tomarte por sorpresa, pero una vez que te acostumbras a ellos cambian de intimidantes a ridículos en menos de un segundo. Así como digo que cuando has visto una película sobre posesiones demoniacas, ya las has visto todas, en el caso del “J-Horror” cuando has visto a una mujer fantasmal de cabello largo acechando a una inocente víctima, ya las has visto todas.

Creo que al final Ju-on 2: La Maldición Final es un buen exponente del “J-Horror”, pero no veo que tenga algo verdaderamente innovador o siquiera diferente en relación al resto de la serie o incluso dentro del mismo “J-Horror” en general. Creo que los fans de la franquicia (grupo en el que no me incluyo) disfrutaran del filme, y aun sí no son fans esta película podrá ser una buena introducción al género, pero sinceramente creo que lo mismo podría decirse de cualquier otro filme dentro de esta serie.

Ju-on 2: La Maldición Final: 2/5. Meh

Mejor que: La Maldición Inocente (2017)

No tan buena como: La Maldición Imborrable (2016) Que a pesar de los títulos, no tienen nada que ver con la franquicia La Maldición, ni una con la otra… porque las cosas no son suficientemente confusas, aparentemente…

Video-reseña: Mazinger Z Infinity

Cine Barato: Mazinger Z: Infinity

 

Hora de hacer enojar a los fans de los monitos chinos. Gundam: Telenovela para vender muñequitos. Evangelion: Pinche anime pretensioso y mamón. Voltron: Serie para furrys de closet. No, si quieren ver una BUENA serie de robots gigantes, aquí está su pinche padre: Mazinger Z. Estoy bromeando, por supuesto (excepto con lo de Evangelion), pero la importancia de Mazinger en la animación japonés es muy grande, aunque el concepto es bastante viejo y, hay que aceptarlo, no ha envejecido muy bien con los años, resulta interesante poder ver en la pantalla grande una nueva entrega de esta histórica franquicia con Mazinger Z: Infinity.

En Mazinger Z: Infinity veremos el regreso de uno de los robots gigantes más famosos del mundo del anime. Han pasado varios años desde que terminó la guerra contra el malvado Doctor Hell y el mundo se encuentra en paz, sin embargo, cuando un misterioso robot gigante es descubierto cerca del monte Fuji, un gran ejército de monstruos robóticos gigantes aparece, lo cual pondrá al mundo entero en peligro. Con la situación empeorando a cada minuto, el intrépido Koji Kabuto deberá regresa y pilotar una vez más al poderoso Mazinger Z.

Aunque la historia en Infinity es auto contenida, al tratarse de una continuación directa de la franquicia, se hace referencia a personajes y hechos ocurridos en la serie animada, lo cual puede causar confusión para aquellos cuyo primer acercamiento a esta saga se da mediante esta película. La cinta intenta explicarnos rápidamente la importancia de cada personaje y sus historias previas, algo que se logra alcanzar solo parcialmente, ya que muchas cosas parecerán no tener sentido a menos que ya se conozca de antemano la serie. Esto no afecta a la trama principal de la película, pero indudablemente hace que varios detalles secundarios sean difíciles de comprender.

El tono de la historia puede llegar a ser muy variado, tal vez demasiado. La atracción principal es ver a un montón de robots gigantes peleando entre sí, claro está, algo que la película nos da constantemente, pero el tono en ocasiones se siente demasiado dramático. Parece que en momentos estamos viendo una telenovela exageradamente melodramática, al siguiente vemos comedia sumamente infantil y ridícula (como un robot peleando a balonazo), y al siguiente vemos peleas exageradas típicas de cualquier anime de acción. Sí soy completamente franco, este constante cambio de tono me molestaría si no fuera porque, al ser un fan de esta serie desde mi infancia, me es inevitable ver la producción con mucha nostalgia, y aunque puedo entender que el cambio constante de tono puede no ser del agrado de todos, en mi opinión esto le da cierto encanto infantil, pero de nuevo, esto no es más que mi propia nostalgia hablando.

Un detalle que no es muy de mi agrado es que la cinta, en un intento de “modernizar” su propio concepto, utiliza muchos clichés del anime contemporáneo, y aunque algunos de ellos sí resultan divertidos, otros tantos no hacen más que complicar innecesariamente las cosas. Ecología, fuentes de energía renovable, los mismos horrores de la guerra y hasta teorías de física cuántica se tocan dentro del filme, y aunque nunca se profundiza en la mayoría de ellos, muchos de estos conceptos se sienten fuera de lugar en una película de robots gigantes que parecen juguetes peleando unos contra otros.

A final de cuentas creo que Mazinger Z: Infinity encuentra un buen balance a la hora de entretener a los fans de la serie y al mismo tiempo llamar la atención de aquellos que se topan con sus personajes por primera vez. Hay que ser claros, la cinta será mucho más entretenida para aquellos que ya conocemos la franquicia, es como reencontrarse con un amigo al que no hemos visto en muchos años y platicar sobre “los viejos tiempos”. Para aquellos cuyo primer acercamiento a Mazinger es esta película, puede que muchos conceptos les parezcan anticuados (sobre todo el diseño de personajes), pero de igual manera resulta un viaje entretenido, tal vez no tan profundo o innovador como la misma película quiere hacernos pensar, pero al final no deja de ser una experiencia entretenida tanto para propios como extraños.

Mazinger Z: Infinity: 3/5. Buena.

 

 

 

 

 

 

Mejor que: Titanes del Pacífico: La Insurrección (2018)

No tan buena como: Titanes del Pacífico (2013) Yu-Gi-Oh! El Lado Oscuro de las Dimensiones (2016). Esa última en cuanto películas que son continuaciones a series de anime

Video-reseña: 2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Casi Vengo, Casi Muero (Almost Coming, Almost Dying/Kumo Man)

Video-reseña: 2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Tokyo Ghoul

2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Casi Vengo, Casi Muero (Almost Coming, Almost Dying/Kumo Man)

 

La vida puede ser graciosa, no siempre, no todo el tiempo  y definitivamente no con frecuencia, pero con algo de suerte y perspectiva, una anécdota bochornosa puede ser el punto de partida para que alguien cambie su vida para bien, ese es más o menos la idea detrás de Casi Vengo, Casi Muero (Almost Coming, Almost Dying/Kumo Man) una comedia japonesa que puede no ser demasiado graciosa, pero que definitivamente resulta divertida e incluso emotiva.

En Casi Vengo, Casi Muero veremos a un joven tratando de esconder un vergonzoso secreto. Manabu Nakagawa es un joven que no encuentra su lugar dentro de la sociedad, lo cual lo tiene bastante tenso. En víspera de año nuevo, Manabu decide entrar a una “sala de masajes para caballeros” para intentar despejar su mente. Cuando Manabu está a punto de… ejem… “terminar”, se ve afectado por una hemorragia cerebral. Hospitalizado, Manabu no solo deberá reponerse de una condición de salud grave, sino que también hará todo lo posible por mantener el secreto de donde fue que la ambulancia lo encontró en primer lugar.

Debo decir que la trama en Casi Vengo, Casi Muero no es tan extravagante como se podría pensar. Todo el humor se basa en la bochornosa situación del protagonista, de vez en cuando dándonos escenas mitad sueño mitad pesadilla que sufre el personaje principal, escenas que son un poco grotescas pero indudablemente divertidas, sobre todo aquellas en que la mente del personaje decide personificar a la muerte como una botarga de oso que blande un bat de béisbol, algo que resulta graciosos y original.

Fuera de su peculiar punto de partida, la trama no evoluciona mucho que digamos, mayormente enfocándose en las dificultades de Manabu internado en un hospital, lidiando con sondas, tubos, doctores y familiares molestos, algo que suena bastante común para cualquier persona hospitalizada, situaciones que, aunque si resultan chuscas, no son precisamente algo que te haga doblarte de la risa. El humor siempre se siente bastante “cotidiano” (por llamarlo de alguna manera) y puede tornarse algo repetitivo, pero nunca pierde su tono de realismo, lo cual es adecuado ya que la película está basada en una historia real.

Quisiera poder recomendarles Casi Vengo, Casi Muero, pero el humor puede ser demasiado “seco” para algunos, lo cual imagino puede resultar aburrido para más de uno. La trama es demasiado sencilla pero aun con esto el filme se da el lujo de darnos un giro inesperado que resulta gracioso y conmovedor al mismo tiempo, algo que hace que la producción te deje con una buena impresión. No creo que Casi Vengo, Casi Muero sea un filme que abra las puertas a la comedia japonesa, pero resulta una experiencia entretenida y que, aun con lo ridículo de su historia, puede hacerte pensar sobre la vida y la muerte, algo que no es lo que te viene a la mente usualmente cuando hablas de una comedia.

Casi Vengo, Casi Muero: 2/5. Meh.

2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Tokyo Ghoul

 

Puede que su popularidad cambie con el paso del tiempo, pero es imposible que desaparezcan por completo de la imaginación colectiva, me refiero a las historias de vampiros. Ahora, sé que los más clavados me dirán que los vampiros no tienen nada que ver con los monstruos que se ven dentro de la franquicia de Tokyo Ghoul, a lo cual solo puedo decir que si camina como pato, hace como pato y se ve como pato… el punto es que esta versión cinematográfica de Tokyo Ghoul nos da una visión bastante interesante sobre la figura del vampiro, lo cual siempre es agradable, lo lamentable es que la producción tenga muchos elementos que la hacen difícil de tomar en serio, o por lo menos tan seriamente como el filme pretende ser tomado.

En Tokyo Ghoul veremos a un joven adentrándose a la vida secreta de una sociedad de monstruos que comen carne humana. Durante siglos, monstruos humanoides conocidas como Ghouls han vivido entre los humanos, manteniéndose ocultos para evitar ser cazados debido a que estas criaturas solo pueden alimentarse de carne humana. Es en este extraño mundo donde tras un extraño accidente el estudiante universitario Ken Kaneki (Masataka Kubota) se ve transformado en un Ghoul. Ahora Ken deberá aprender a vivir dentro de la sociedad de Ghouls que viven en Tokio, mientras que al mismo tiempo intenta mantener su propia humanidad.

Estoy adelantándome mucho, pero creo que es importante señalar que tanto el inicio como el desenlace de esta película son lo que hacen difícil tomar la historia en serio PERO el desarrollo de la trama y la forma en que se nos presenta este extraño mundo es lo que hacen que la película valga la pena. Me podrían decir que es algo que se explica mejor en el manga original o en la subsecuente serie de anime, pero tomando en cuenta la forma en que el personaje principal es trasformado en un Ghoul en esta película es, francamente, ridícula y que la única forma de poder tomar en serio es no pensar en ello demasiado, lo cual me parece una pobre excusa para tratar de justificar huecos en la trama, algo que hace que el “drama” en que se ve envuelto el protagonista no deje de sentirse un tanto ridículo.

Lo interesante resulta ver las estructuras sociales de los monstruos y su forma de convivir en una sociedad humana “normal”. Es en este proceso donde la película se torna más interesante, ya que en lugar de ser una historia de “monstruos contra humanos”, el filme se da a la tarea de darnos una tonalidad de grises bastante original, haciéndonos ver que los llamados “monstruos”, a pesar de su desafortunada condición, no son seres completamente desalmados o crueles (no todos al menos) y cuya principal preocupación es la supervivencia; de la misma forma, la historia nos muestra a los cazadores de Ghouls con una tonalidad un tanto siniestra, donde la supervivencia también es la prioridad, pero donde también se asoma un dejo de crueldad y violencia innecesaria en su lucha contra las “malvadas” criaturas.

Todos estos “dilemas morales” que la película se toma el tiempo de ilustrar se ven casi completamente ignorados (y desperdiciados) al llegar al desenlace de la cinta. El clímax del filme se convierte en un “típico” enfrentamiento de “buenos contra malos”, semejante a alguna secuencia de acción sacada de cualquier película de súper héroes contemporánea, excepto que los efectos especiales de Tokyo Ghoul no son malos… son malísimos, lo cual hace imposible tomar en serio el supuesto dramatismo del desenlace.

Lo admito, mi familiaridad con la serie original de Tokyo Ghoul es mínima, por lo que no sabría decirles que tan buena o mala sea esta adaptación cinematográfica comparándola con la versión original, pero lo que sí puedo decir es que la película cumple con su cometido de llamar la atención a un nuevo público. Puede que lo extravagante y ridículo de muchos de sus elementos la hagan difícil de tomar en serio pero Tokyo Ghoul cuenta con suficientes buenas ideas como para hacer que valga la pena ver el filme.

Tokyo Ghoul: 2/5. Meh

Si te gustó, considera ver: Gantz (2011)

Video-reseña: 2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Gintama

Video-reseña: 2do Matsuri de Cine Japonés (2017): La Maldición Inocente (Innocent Curse/Kodomo Tsukai)

2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Gintama

 

 

Las adaptaciones de anime y/o manga al cine tienen una mala reputación ¡Y con justa razón! Parece que solo hay dos resultados posibles: Una película tan mala que te hace avergonzarte de llamarte fan del material original o una producción medianamente decente que a duras penas tiene conexión con la propiedad intelectual de origen, esto cuando hablamos de adaptaciones cinematográficas estadounidenses ya que, al parecer, Japón piensa que si quieres una buena adaptación de un manga tienes que hacerla tú mismo, y si Gintama es una indicación de esta creencia, entonces los japoneses tiene toda razón.

En Gintama veremos las aventuras de un samurái en un Japón feudal invadido por seres extraterrestres. Japón era conocido como “la tierra de los samurái”, algo que cambio cuando una raza extraterrestre llegó a la tierra y conquisto el país. Ahora los extraterrestres, conocidos como “Amanto” viven entre los humanos. Es en esta peculiar atmosfera en que seguimos las aventuras de Gintoki Sakata (Shun Oguri), un ex samurái que está dispuesto a hacer cualquier tipo de trabajo con tal de conseguir suficiente dinero y llegar a fin de mes para pagar la renta.

Los puristas pondrán el grito en el cielo, pero la mejor forma en que puedo describir a Gintama (la franquicia en general, no solamente esta película) es la siguiente: Deadpool es al comic norteamericano lo que Gintama es al maga japonés, es decir que Gintama es una mezcla de acción y comedia donde la gran mayoría del humor viene de referencias a la cultura pop (dentro y fuera de Japón) y romper la llamada “cuarta pared”, logrando también darnos secuencias de acción bastante emocionantes, las cuales con mucha frecuencia siempre se ven interrumpidas por aún más ridícula y caótica comedia.

Gintama (como película) abraza todas las características de la obra original, tanto para bien como para mal, ya que el filme en verdad se torna en una caricatura que casualmente es protagonizada por actores de carne y hueso. Toda acción es exagerada, cada escenario extremadamente estilizado hasta hacerlo imposible de tomar en serio, algo que se aprovecha para acentuar aún más la comedia, la cual puede ser muy entretenida pero que en muchas ocasiones depende por completo de la familiaridad del espectador con la “cultura” del anime y el manga. Referencias a Dragon Ball, Gundam , Nausicaa y One Piece son solo algunos ejemplos de las parodias que Gintama lanza al espectador, comedia que resulta sumamente graciosa pero que si el público no tiene la más remota idea sobre esas otras propiedades intelectuales, las referencias no tendrán ningún sentido, perdiendo la gracia casi por completo.

A pesar de ser principalmente una comedia, Gintama logra darnos una buena dosis de secuencias de acción que, de nuevo, parecen sacadas directamente de un manga shonen, con todo el melodrama y clichés que acompañan a este tipo de historias, algo que la misma producción señala cada que puede para romper con la seriedad que algunas escenas podrían alcanzar, exceptuando tal vez durante el desenlace, donde la historia se torna demasiado melodramática para mi gusto.

Puede sonar como la obviedad más grande del mundo pero si son fans del anime y el manga en general Gintama es una muy buena muestra de que este muy específico género es capaz de dar el salto a la pantalla grande sin perder toda la extravagancia que lo vuelve tan llamativo en primer lugar. Si son fans de la cultura anime, Gintama les gustara; si son fans de la obra original amaran Gintama, pero si no caen en ninguna de esas dos categorías Gintama les parecerá una caótica experiencia con poco sentido, pero cuya historia resulta por lo menos interesante por si sola y la extravagancia de su diseño la vuelve algo totalmente fuera de lo común.

Gintama: 3/5. Buena.

Si te gustó, considera ver: Ruroni Kenshin (2012)

2do Matsuri de Cine Japonés (2017): La Maldición Inocente (Innocent Curse/Kodomo Tsukai)

 

¿“Plagio” o “inspiración”? A veces la línea que divide a estos conceptos puede ser un poco borrosa pero si me preguntan a mí, cuando hablamos de una película por lo menos, plagio es cuando se toma uno o más elementos de alguna otra fuente y se presentan sin ningún cambio significativo, por otro lado, inspiración es también tomar elementos de otra producción pero adaptarlos para que resulten funcionales dentro de la historia que se intenta contar, no nada más darle “copy + paste” a algo. Todo lo anterior viene a colación porque al ver La Maldición Inocente es notable que la cinta toma muchas “inspiraciones” de diversas fuentes, con ello presentándonos una historia propia que resulta interesante pero no precisamente original o escalofriante.

En La Maldición Inocente veremos a un par de jóvenes tratando de esclarecer una serie de desapariciones. Aunque al principio se toman como simples rumores, las misteriosas desapariciones de varios niños y las repentinas muertes de sus padres llama la atención del reportero Shunya Ezaki (Daiki Arioka). Poco a poco la investigación de Ezaki se convenrtira en algo personal cuando su novia, la maestra de preescolar Naomi Harada (Mugi Kadowaki) se involucra con uno de los niños desaparecidos, lo cual la pondrá en contacto con una malévola fuerza sobrenatural. Ahora Shunya y Nahomi deberán despejar el misterio de los asesinatos antes de que sea demasiado y Naomi se convierta en la siguiente víctima.

Como decía en un principio, La Maldición Inocente toma inspiración de muchas fuentes diferentes, principalmente del cuento clásico El Flautista de Hamelin, pero también de elementos de otras producciones de horror japonesas como Ju-On, o incluso historias como Eso de Stephen King. Estos elementos se mezclan entre sí para darnos una interesante historia de misterio que es tanto el punto más fuerte de la producción como la más cuestionable de la misma.

En un principio el filme parece presentársenos como una historia de horror, pero nunca alcanza esa atmosfera “aterradora” que distingue a ese tipo de cintas, en su lugar dándonos una trama de misterio que se va desenvolviendo poco a poco para mostrarnos todas las piezas del rompecabezas, proceso que es interesante pero lento y que provoca poco o nada de miedo. Parte de esta carencia de sustos bien podría ser causa del antagonista, una figura que es mayormente misteriosa, carismática e incluso empática en ocasiones, cualidades que no relacionamos precisamente con “una maligna fuerza sobrenatural”. Puede que la producción esté intentando ir en contra de algunos clichés del género de horror, lo cual es siempre admirable, pero al hacerlo también se pierde ese “algo” distintivo de una película de terror.

Los efectos especiales son prácticamente inexistentes y los pocos que se ven resultan, francamente, ridículos, lo cual tampoco ayuda mucho que digamos a crear la atmosfera adecuada, sin embargo, gracias a un buen trabajo de edición, iluminación y simples pero efectivos trucos de cámara, la cinta logra darnos varias escenas interesantes.

La Maldición Inocente es bastante engañosa en un principio ya que los primeros minutos de la cinta empiezan a alinearse muy bien con lo que relacionamos con una historia de terror, pero la trama rápidamente desvía su camino y sigue una ruta más similar al misterio que al horror, un cambio interesante pero que no deja de sentirse como que nos están dando gato por liebre. La producción es entretenida pero el desenlace se siente sumamente largo y algunos de los elementos “perturbadores” son tan exagerados que rayan en la parodia. Aun con lo anterior creo que vale la pena ver La Maldición Inocente, ya que si ajustan sus expectativas la experiencia no deja de ser entretenida, al menos moderadamente.

La Maldición Inocente: 2/5. Meh.

Si te gustó, considera ver: Boogiepop Phantom (2000)

Video-reseña: 2do Matsuri de Cine Japonés (2017): El Vagabundo de Tokio (Tokyo Drifter/Tokyo nagaremono)

2do Matsuri de Cine Japonés (2017): El Vagabundo de Tokio (Tokyo Drifter/Tokyo nagaremono)

 

No sé a qué se deba, pero me doy cuenta de que la fascinación que genera en la gente la figura del “mundo del hampa” dentro del entretenimiento. Vean, por ejemplo, el éxito de series de televisión como Breaking Bad, películas clásicas como El Padrino o el sin número de series sobre narcotraficantes que existen en la actualidad, todas de una manera u otra romantizando de alguna manera la figura criminal. Este fenómeno no es exclusivo de nuestros tiempo ni de nuestro continente, un ejemplo de esto lo podemos ver en El Vagabundo de Tokio (Tokyo Drifter/Tokyo nagaremono), película que nos da una interesante historia relacionada con la vida criminal japonesa.

En El Vagabundo de Tokio veremos a un joven que se ve perseguido constantemente por su pasado criminal. Tetsuya Hondo (Tetsuya Watari) es un miembro reformado de una banda yakuza que reside en Tokio. Tetsuya, junto con su jefe Kurata (Ryuji Kita) intentan llevar una vida respetable y completamente legal, lo cual los pone en la mira de otro jefe criminal que intentará hacerlos regresar un mundo de actividades ilícitas. Estando en la mira de un peligroso asesino a sueldo, Tetsuya se ve obligado a abandonar todo y buscar un lugar donde su vida no corra peligro.

A pesar del paso del tiempo, esta película de los 60´s no deja de sentirse muy actual, si pasamos por alto la estética y música de la época que constantemente aparecen en pantalla. La historia resulta muy envolvente al enfocarse en Tetsuya, un criminal con una devoción casi siega a su antiguo jefe, algo que es uno de sus mayores atributos y peores defectos. El filme nos muestra un código moral de sus personajes, o en algunos casos la carencia de este, que los define como personas y cuya inflexibilidad ante esta forma de vida es lo que, al final, termina dándoles significado a sus vidas, así como acabando con ellas en muchos casos. Resulta sumamente interesante ver a un hombre que, a pesar de sus genuinas intenciones por enmendar su camino, su pasada vida de violencia y crimen no dejan de atormentarlo a donde quiera que va.

La acción del filme no ha envejecido con tanta gracia como su historia, ya que muchas de estas escenas son tan emocionantes como ver a un grupo de niños jugar con pistolas de agua, sin embargo, estas secuencias cuentan con una cinematografía realmente admirable, dándole a todo el filme una estética muy llamativa y “moderna”. La trama tiene un ritmo bastante agradable y fuera de una pequeña escena que parece sacada de un western gringo, la historia nunca desvía su atención de su protagonista y su lucha por sobrevivir.

Puede que El Vagabundo de Tokio este impregnada de estética e iconografía japonesa, pero los temas que llega a tocar el filme son lo que lo convierten en algo interesante para cualquier tipo de público. No es ningún secreto que el director de este y otros filmes de la época ha sido una gran influencia para cineastas contemporáneos como Quentin Tarantino, algo fácil de notar con esta cinta que (y esto es mera especulación de mi arte) bien podría considerarse como la inspiración para cintas como Kill Bill o proyectos similares sobre el mundo criminal y la venganza. La estética puede lucir un tanto anticuada para nuestros días, pero la atrayente historia que nos cuenta es algo que en verdad vale la pena experimentar, se tenga familiaridad con el cine Yakuza o no.

El Vagabundo de Tokio: 3/5. Buena.

Si te gusto, considera ver: Lupin III: Primer Contacto (2002)

Video-reseña: 2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Marcado para Matar (Branded to Kill/Koroshi no rakuin)

2do Matsuri de Cine Japonés: Marcado para Matar (Branded to Kill/Koroshi no rakuin)

 

Los que de verdad sepan de cine me podrán corregir, pero aunque considero que una buena película mantiene su calidad a pesar del tiempo o lugar de origen, hay que reconocer que hay otros tantos filmes que son producto específico de su época y su geografía, como es el caso de Marcado para Matar (Koroshi no rakuin), una película japonesa de los años 60´s que cuenta con varios conceptos muy interesantes pero cuya presentación puede alejar a más de un espectador.

En Marcado para Matar veremos a un asesino asueldo lidiando con las consecuencias de su trabajo.  Goro Hanada (Joe Shishido) es el tercer mejor asesino. Por azares del destino, Hanada conoce a la bella y misteriosa Misako Nakajo (Annu Mari), quien lo reclutará para llevar a cabo una misión casi imposible. Al fallar en su encomiendo, Hanada se verá acosado por el asesino número uno, quien poco a poco buscara quitarle la razón antes de arrebatarle la vida.

La historia es más difícil de seguir de lo que se podría creer en un principio, no porque sea demasiado compleja sino por la forma en que se presenta. Muchas escenas parecen existir sin ninguna razón en absoluto, y muchas veces estas mismas escenas se sienten pedantes, queriendo ser “artísticas” y abiertas a la interpretación, pero que en realidad poco o nada ayudan a desarrollar la trama del filme. Este tipo de secuencias parecen intercalarse completamente al azar, lo que en más de una ocasión corta el ritmo de la historia y hace más difícil el seguir el hilo narrativo de la película.

La cuenta con varias escenas de acción que tal vez parezcan algo anticuadas y hasta ridículas si las comparamos con cualquier película contemporánea, pero la ejecución de la acción es buena, en gran medida a un buen trabajo de edición y coreografía que de vez en cuando se da el lujo de inyectar un poco de humor. Si esta dosis de levedad es a propósito o no, es algo que no sabría decirles.

Lo más interesante del filme (consideren lo siguiente como un spoiler), es el antagonista, quien aparece prácticamente en el último acto del filme. Lo más interesante es ver como el personaje principal es atormentado, físico, emocional y psicológicamente por su enemigo, quien lo hace llegar a un estado de locura y ver a Hanada tratar de aferrarse desesperadamente a la poca cordura que le queda, dejándolo exhausto en todo sentido y con solo la más mínima esperanza de sobrevivir, esperanza que bien podría ser solo una ilusión de la trastornada mente del protagonista.

Marcado para Matar resulta una experiencia interesante pero una que resulta difícil de recomendar, más que nada por la alta barrera cultural que la rodea. La cinta nos deja ver varios elementos noir “clásicos” y la interpretación de estos en el cine japonés, adaptación que muchas veces se torna demasiado extravagante como para poder entender por completo. La cinta sin duda cuenta con ideas interesantes pero muchas veces se siente como  si quisiera complicarlas sin ninguna razón aparente. No puedo prometerles que ver esta cinta va a ser algo divertido, pero definitivamente es algo interesante y que no se ve todos los días.

Marcado para Matar: 2/5. Meh.

Si te gustó, considera ver: Golgo 13 (1977)

Video-reseña: 2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Soy Héroe (I am a Hero)

2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Soy Héroe (I am Hero)

 

La fascinación por los zombis parece no tener fronteras, y aunque ya he repetido muchas veces que estoy cansado de verlos hasta en la sopa, no voy a negar que me causa curiosidad ver el tipo interpretación que este tipo de historias pueden tener fuera del acostumbrado cine hollywoodense, como es en esta ocasión Soy Héroe (I Am a Hero), película japonesa sobre el “típico” escenario de un apocalipsis zombi.

En Soy Héroe veremos la desesperada lucha de un joven  por sobrevivir a una misteriosa y mortal plaga. Hideo Suzuki (Yo Oizumu) es un joven que parece no tener suerte en la vida. Atrapado en una relación poco satisfactoria, un trabajo mal pagado y un sueño frustrado por ser dibujante de manga, la vida de Hideo parece no poder ser peor, situación que empeora aún más cuando un extraño virus comienza a afectar a la gente de la ciudad, convirtiéndolos en hambrientos monstruos que buscan devorar carne humana. Haciendo todo lo posible por mantenerse con vida, Hideo se dirige al monte Fuji , el único lugar que aparentemente sigue siendo seguro en Japón.

Lo que llama más la atención en Soy Héroe es la propia interpretación que se hace de la figura del zombi. El maquillaje y los efectos especiales hacen que mucho de los muertos viviente que vemos en pantalla sean verdaderamente escalofriantes, el problema, si es que en verdad se le puede considerar como tal, es que muchas veces la cámara se enfoca mucho tiempo en estos personajes, dejándonos ver el en ocasiones exagerado trabajo de maquillaje que, aunque es bastante bueno, entre más tiempo lo vemos en pantalla más falso se ve, rompiendo con esto un poco la ilusión de que los personajes se enfrentan a monstruos peligrosos y no a simples extras con mascara y maquillaje.

La película se enfoca en las andanzas del protagonista por sobrevivir, y aunque no resulte un camino que ya hayamos recorrido antes en producciones similares, la trama logra darnos un par de sorpresas que logran mantener la atención del público y haciendo avanzar la historia pero que en más de una ocasión la propia película no explica en lo absoluto, algo que podrá ser frustrante para algunos.

Llegando a la mitad del filme, la influencia del trabajo del afamado George A. Romero se vuelve más que evidente, haciendo que la cinta prácticamente se convierta en la versión nipona de El Amanecer de los Muertos (Dawn of the Dead), utilizando el también ya trillado escenario de un grupo de sobrevivientes atrapados en un centro comercial. El paralelo con la obra de Romero no se limita al escenario sino también a la temática. Soy Héroe inyecta una dosis de humor a lo que en teoría es una situación espantosa, además de incluir crítica social no muy sutil que digamos.

Tal vez suene decepcionante pero aparentemente el cine japonés de zombis es casi igual al norteamericano, exceptuando por los actores asiáticos y las localidades donde se desarrolla la historia. La influencia de Romera se deja ver plenamente, pero la película logra producir un par de ideas interesantes que, aunque no son increíblemente innovadoras, por lo menos evitan que la producción se convierta por completo en “pan con lo mismo”. La película es entretenida, y aunque el final se acerca peligrosamente al reino de la parodia, es línea no se cruza por completo, convirtiendo el desenlace en algo emocionante, divertido, gracioso y hasta escalofriante, todo al mismo tiempo. Soy Héroe no es nada realmente nuevo, pero no deja de ser una entretenida entrega del tan sobre explotado genero de los muertos vivientes.

Soy Héroe (I am a Hero): 3/5. Buena.

Si te gustó, considera ver: Zombrex: Dead Rising Sun (2010)

Video-reseña: 2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Akira

2do Matsuri de Cine Japonés (2017): Akira

 

Directo al grano. Akira es una de las películas más importantes del siglo XX ¿Suena exagerado? Tal vez, pero es algo que verdaderamente creo. La influencia de este filme ha tocado rubros dentro y fuera de su país de origen, incluso en el medio fuera de la animación. Desde Matrix, pasando por Naruto, incluso Strager Things y un etcétera demasiado largo para intentar nombrar, Akira es todo un clásico que cualquier amante del cine debe ver, y esta segunda edición de festival de cine japonés es el medio perfecto para ver la película en la pantalla grande, justo como Kami-sama lo quiso.

En Akira veremos a un grupo de adolescentes topándose con una serie de eventos que cambiaran el rumbo de la humanidad misma. Es el distante año de 2019 y Japón está recuperándose de los estragos causados por la tercera guerra mundial, por lo que el orden público y la seguridad son algo prácticamente inexistente, hecho que facilita a que muchas pandillas merodean por toda la ciudad de Neo-Tokyo. En una noche cotidiana de caos y violencia, un pandillero llamado Tetsuo se ve envuelto en un aparatoso accidente en motocicleta, lo cual lo hace caer en manos de una misteriosa organización. Buscando una respuesta sobre el paradero de su amigo Tetsuo, Kaneda Shotaro se ira adentrando en el misterio de su desaparecido compañero, descubriendo secretos que no solo pondrán en peligro su vida sino a toda la población japonesa.

Puede que la película tenga casi treinta años de antigüedad, pero eso solamente sirve para resaltar lo excelente de la animación, ya que sigue siendo una de las películas más sorprendentes en ese rubro aun en la actualidad. El nivel de atención que se presta hasta al más mínimo detalle es verdaderamente sorprendente y algunas de las secuencias llegan a ser tan psicodélicas e incluso escalofriantes que más de una película de terror quisiera poder evocar las imágenes que este filme nos da.

La estética cyberpunk del filme es bastante notable, pero a pesar de ser un producto de su época, me atrevo a decir que sigue sintiéndose muy actual, tal vez no del todo futurista como fuera su intención original en los 80´s, pero la atmosfera sigue siendo muy envolvente y creíble (en lo que cabe). La ambientación, más allá de sólo darnos un escenario para desarrollar la trama, nos deja entrever un mundo que resulta tanto ajeno y conocido al mismo tiempo, con una clara historia propia que inunda tanto al mundo como a los personajes que viven en él.

Y aquí viene la parte que quería evitar. De verdad quiero decir que Akira es la película perfecta, pero lo que a muchos fans nos cuesta trabajo admitir es que el final es el punto más frágil del filme. El desenlace se siente demasiado abrupto, tal vez adecuado, pero no deja de sentirse que la cinta deliberadamente decide terminar “justo cuando la cosa se estaba poniendo buena”, esto se debe a que la película es una adaptación de un manga del mismo nombre y que la cinta termina más o menos a la mitad de la historia original, dándonos así sólo una parte de un proyecto mucho más grande y ambicioso. Desgraciadamente el final de la película puede dejar a muchos espectadores insatisfechos, pero si creen que esto es suficiente para arruinar el resto de cinta, déjenme asegurarles que no es así.

Podría estar hablando de esta película por horas, pero francamente eso sería una pérdida de tiempo, lo mejor es que vayan a ver este clásico del cine y lo experimenten con sus propios ojos. No puedo decirles que la amaran tanto como lo hago yo, es más, ni siquiera puedo decirles que los dejara sorprendidos (muchas de sus ideas y temáticas han sido replanteadas en otras obras más actuales), pero lo que SÏ puedo afirmar es que Akira es una verdadera joya del cine, una que ha resistido el paso del tiempo y que seguirá haciéndolo indefinidamente. Miren, sé que la película no es nueva y que de hecho hay muchas formas más fáciles de verla en la actualidad, pero la oportunidad de verla en la pantalla grande es algo que no se presenta todos los días y que definitivamente vale la pena. No importa si ya la han visto o si este es su primer acercamiento a la obra, Akira es una experiencia difícil de olvidar.

Akira: 4/5. Muy Buena.

 

Si te gustó, considera ver: Ghost in the Shell (1995).